Edward Weston, el fotógrafo modernista de lo abstracto y sensual

El Grupo f/64 y Edward Weston

Fundado por Edward Weston y Ansel Adams en 1932 y desaparecido en 1935, el Movimiento Fotográfico de la Costa Oeste o Grupo f/64 fue un colectivo que incluyó once miembros, entre los cuales estaba Willard Van Dyke (entonces aprendiz de Weston), Consuelo Kanaga, Brett Weston (su hijo) e Imogen Cunningham. 

Weston en realidad llegó en un periodo histórico donde el pictorialismo estaba en su punto de popularidad más bajo, pero ese movimiento y estilo aun seguía teniendo fuerza en la Costa Oeste de Estados Unidos. 

En el manifiesto del grupo, la fotografía directa o pura (se le puede llamar de ambas formas) se definió así:

“La fotografía pura se define como aquella que no posee cualidades de técnica, composición o idea, derivadas de cualquier otra forma de arte”.

En cierto modo, El Grupo f/64 había venido para terminar de cavar la tumba del pictorialismo. Dominar la luz era la cuestión, y el colectivo explotó el potencial del entorno natural rico en diversidad de California y sus alrededores, con montañas y desiertos cerca, así como un clima caluroso con un cielo con frecuencia despejado. 

Estilo fotográfico de Edward Weston

Edward Weston fotografió paisajes y personas… Con o sin ropa. Aparte de las modelos, las dunas de arena, conchas marinas, árboles, rocas, algas y hortalizas como cebollas y pimientos fueron los sujetos predilectos del fotógrafo.

Privilegiaba los primeros planos, el alto contraste y dominaba a la perfección las luces y sombras. Sus sujetos en desnudo solían ser mujeres, principalmente amantes o amigas.

Independientemente del tema y sujeto tratado, la razón sustancial por la que Edward Weston se convirtió en una leyenda de la fotografía es por su estilo de composición complejo y rico en detalles, aunque a priori sus fotos parezcan muy simples. 

Desarrolló este estilo teniendo como máxima esta declaración: 

“La cámara debe usarse para registrar la vida, para representar la sustancia misma y la quintaesencia de la cosa misma, ya sea acero pulido o carne palpitante”.

• Énfasis en texturas y formas 

En la visión de Weston, crear una fotografía pura implicaba la realización de un tipo de foto desapegada de sentido moral, filosófico y psicológico. 

Este principio se basa en pretender capturar la realidad objetiva o al menos dar con un lente que permita acercarnos a una realidad más pura y profunda, un tipo de verdad que el ojo humano es incapaz de percibir. 

El énfasis en las líneas, formas y texturas, en especial de elementos cotidianos, corrientes y banales, posibilitó crear una nueva forma de composición artística que otros medios como la pintura y la ilustración no son capaces de recrear. 

Como os mencionamos en nuestro artículo sobre Alfred Stieglitz, una máxima de la fotografía pura es la nitidez y la claridad de las fotografías con el fin explícito de destacar las cualidades propias de la cámara. Este era el objetivo de Weston.

A la larga, logró  contribuir a los cimientos de la fotografía abstracta y, sobre todo, su intención de no transmitir algo en concreto consiguió un efecto indeseado para el fotógrafo, pero beneficioso para su propio legado: que cada uno pueda buscar interpretaciones a su obra. 

Al estar desprovistas de un significado concreto, la audiencia puede plasmar sobre las fotos una intención, un mensaje y un simbolismo específico. 

• Experimentación y dominio de la técnica 

Weston solo trabajaba con impresiones de gran tamaño —ideales para exponer en museos— que a menudo repetía a partir de un mismo negativo al que exponía a diversas técnicas de impresión. El gran tamaño de sus fotos hizo que la gente pudiese percibir con mayor detalle el grado de profundidad e intensidad de su obra.  

Durante mucho tiempo Weston privilegió la impresión de platino paladio, que ofrecía una amplia gama tonal con un ligero tono dorado. Para 1930 adaptó por completo la técnica de plata sobre gelatina, la técnica más común de fotografía analógica, aunque no sin antes experimentar con impresiones a base de otros materiales. 

Siempre usaba cámaras de gran formato como la Commercial View de Ansco y la cámara de visión Universal Century 8×10. Con frecuencia usó filtros K2, GA, trípode, fotómetro y un lente triple convertible. En resumen, su equipo era pesado, grande y sumamente laborioso. 

• La profundidad y detalle

Esta característica es omnipresente en toda la obra de Weston posterior a 1922, y destaca especialmente en sus fotos de primer plano de objetos pequeños y el rostro de las personas. Son composiciones de fondo en su totalidad limpio, carentes de adornos y el énfasis está en un solo sujeto con abundantes detalles, lo que da una sensación de proximidad. 

Esto se relaciona con el punto anterior ya que, claramente, el revelado para conseguir estas características exigía mucha atención, conocimientos y paciencia. Pero no todo estaba en la edición, sino en los tiempos de obturación y la profundidad de campo. 

Pepper N. 30 (1930) 

La que es probablemente la fotografía más célebre del fotógrafo es también la más representativa del grandioso estilo por el que es recordado. 

Weston tomó muchas fotografías de pimientos en 1927 y 1929, pero nunca le terminó de convencer ninguna de ellas. Sonya Noskowiak, la amante de Weston por aquellos años, motivó al fotógrafo a seguir intentándolo.

Lo intentó por tercera vez ya en 1930 y con un pimiento verde maduro. En un periodo de dos días, tomó más de cuarenta fotos del mismo pimiento, en distintos ángulos y superficies. 

La foto número treinta fue su favorita y la realizó al poner el pimiento sobre una lata. Para esta sesión Weston mandó a construir una lente con la que pudo obtener una apertura de  f/240 y un tiempo de exposición récord de cuatro horas. 

Este ingenio técnico dio como resultado una foto con una riqueza tonal excepcional y una iluminación que destaca la tridimensionalidad del objeto.

Las formas de la luz y sombras sobre el pimiento hacen que este se vea irreconocible, como si fuese una masa previamente moldeada por un artista plástico. Para el propio Weston, Pepper N. 30 se convirtió en la fotografía cumbre de su carrera.

Los desnudos de Edward Weston

La gran mayoría de las fotos de desnudo de Weston fueron a sus amantes como las mencionadas Margrethe Mather y Tina Modotti.

En alguna que otra ocasión fotografió hombres, pero la mirada era la misma: realizar un estudio del cuerpo humano con poses y encuadres que destacaban un carácter escultural y abstracto. Solía privilegiar las tomas en las que el rostro salía a medias o no aparecía en absoluto. 

Dotó estas imágenes no solo de un ligero toque erótico, sino de un carácter poético y surreal, resaltando con encuadres cercanos el cuerpo completo o zonas específicas, como la espalda, el pecho y el abdomen. 

Son en especial recordados desnudos en clave baja como las Nude (Charis) de 1934 y 1936. Son las dos primeras de la galería a continuación.

Otra gran foto es Nude (1925) —la de arriba— a menudo considerada una fotografía surrealista. 

Como podéis imaginar, esta parte del trabajo de Weston no estuvo exenta de polémicas, pero también le valió elogios generalizados debido a la sutileza del desnudo y la intimidad que logró transmitir. 

Como dato curioso, es sabido que Weston se interesó más por el desnudo tras conocer el cubismo. Esta vanguardia le influyó no sólo para sus fotos de esta temática, sino también para su amplia categoría Still Life (“naturaleza muerta”).

Mitos populares sobre Edward Weston 

¿Simbolismo? La intención de la fotografía pura 

Un objetivo clave de la fotografía directa o fotografía pura era que el medio fuera tomado en serio como otra forma de arte, no como una extensión de la pintura o una vulgaridad científica. 

Esta filosofía implicó para Weston y el Grupo f/64 la negación del componente sociopolítico de la fotografía: querían explorar la fotografía a través de escenas que no pudieran ser interpretadas con mensajes complicados. De ahí la razón misma de bautizar todo el enfoque como “fotografía pura”.

Weston fue un miembro destacado del ya de por sí legendario colectivo debido a sus fotografías de la “naturaleza muerta”, a saber: conchas, hojas, algas, hongos y similares fueron retratados en primeros planos con amplia claridad y alto contraste.  El punto era desafiar nuestras miradas cotidianas al mostrar ese lado abstracto de las cosas mundanas y corrientes. Pepper N. 30 es un ejemplo de ello.

Pero justo con esa fotografía existe el mito de que hay un componente erótico o que expresa el estado anímico del fotógrafo. 

Sin embargo, Weston siempre negó que hubiera algún simbolismo en esta foto. 

De hecho, insistió en que no existe simbolismo alguno en ninguna de sus fotos.

Weston, a diferencia de los fotógrafos surrealistas o de Alfred Stieglitz a través de su serie Equivalents, no pretendía comunicar nada en absoluto. 

Su fotografía pura era así, directa: sin espacio para lecturas. Lo de Weston fue, en resumen, experimentos para probar una tesis: la de la fotografía como forma seria de arte. Lo que, os recordamos, era entonces una idea tabú e impopular. Como bien dijo: 

“Soy lo suficientemente “anticuado” como para creer que la belleza, ya sea en el arte o en la naturaleza, existe como un fin en sí mismo”.

Weston: ¿un hombre solitario?

Edward Weston fue un hombre bastante sociable y que solía ganarse el respeto y admiración de las personas. Valoraba la compañía, aunque no por ello disfrutaba menos del tiempo a solas. 

Se tiene una imagen popular de Weston como un solitario e infeliz genio porque ese es un cliché para este tipo de personas que destacan en su área. 

Pero en el caso de Weston no es verdad. Sus amigos, amantes, hijos y demás seres queridos siempre le quisieron. Incluso en su última década de vida, en la que tuvo que enfrentar al Parkinson, Weston continuaba siendo un hombre sociable.

¿Era Edward Weston completamente apolítico?

En absoluto. Edward Weston fue (casi) tan progresista como lo fue Tina Modotti. 

La confusión pasa porque Weston nunca quiso explorar la fotografía para exponer las variopintas situaciones sociales que vivía el mundo.

Recordad: el tiempo más prolífico de Weston fue en años sumamente difíciles para Estados Unidos: antes, durante y después de los profundos estragos de la Gran Depresión. De hecho, Henri Cartier-Bresson afirmó, como reprimenda al Grupo f/64: 

“El mundo se cae a pedazos y Weston y Adams se ocupan de tomar fotografías de rocas”.

Hubo bastante tensión entre 1928 a 1932 para que los fotógrafos mostraran la cruda realidad que sufría la gran mayoría de los norteamericanos. Europa tampoco lo pasaba bien: el nazismo y el fascismo en general estaban en auge.

En tal contexto, el Grupo f/64, con su explícita intencionalidad de descartar la fotografía social, parecía cada vez más anticuado. De hecho, el colectivo desapareció debido a esto y otros motivos en 1935.

Weston no era ajeno a este contexto, pero no quiso tocar el tema en sus fotos y se concentró en explorar aquello que le parecía más pertinente para conocer los límites creativos de la fotografía.

A su manera, Weston influyó sobre la fotografía social que entonces lideraría Dorothea Lange y Walker Evans, ya que ambas personas se basaron en principios de la fotografía directa para crear su estilo fotográfico.

Libros y documentales sobre Edward Weston

The Photographer (1948)

Willard Van Dyke creó este cortometraje documental a modo de detrás de escena del método de trabajo de Edward Weston. Está disponible en YouTube y nos enseña un poco de la idiosincrasia del fotógrafo en su cuarto oscuro y su laborioso proceso para disparar en los desiertos de California.

• The Photographer (1948) (ENG): How Edward Weston Captured His Iconic Images

The Daybooks of Edward Weston (1962)

Weston escribía cada día en su diario desde 1915 a 1930. A este cuerpo de trabajo de naturaleza personal e introspectiva, en la que Weston reflexiona tanto de su vida como del sentido de su obra, se le conoce como Daybooks. La versión más común de los Daybooks contiene más de 300 páginas divididas en dos volúmenes, y ha sido una fuente recurrente para los biógrafos de su vida.

Legado y relevancia de Edward Weston para la historia de la fotografía

Edward Weston está en el selecto club de pioneros como Alfred Stieglitz, Man Ray, Ansel Adams y Paul Strand en el sentido que todos ellos promovieron la fotografía directa, y a través de ello lograron consolidar el medio como una manera de expresión artística completamente válida y valiosa. 

Entre sus abiertos admiradores están los fotógrafos Wynn Bullock, Paul Caponigro, Aaron Siskind y Jan Groover. Su obra está permanentemente exhibida en el MoMA, el Met, el Museo Smithsoniano de Arte Americano y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. 

Y la familia de Weston se convirtió en una reputada familia dedicada a la fotografía, ya conocida como La Dinastía Weston. 

Sus hijos Brett y Cole Weston se convirtieron en grandes fotógrafos, su nieta Cara Weston homenajea su estilo y su otro nieto, Kim Weston, también se dedica al oficio y mantiene vivo el legado del maestro. Otra gran fotógrafa es Dody Weston Thompson, quien fue aprendiz de Weston y estuvo relacionada con la familia al ser la esposa de Brett. 

Últimos años de Edward Weston

Edward Weston publicó libros que en la actualidad quedaron en el olvido, pero en su momento fueron sumamente relevantes para una futura generación de fotógrafos, como California and the West (1940).

Fue el primer fotógrafo en recibir dos becas de la Fundación Guggenheim en 1936 y 1937 y fue miembro honorario de la American Photographic Society.

Para 1948 Edward Weston tomó su última foto conocida, llamada Rocks and pebbles. 

Para entonces ya llevaba tres años luchando contra el Parkinson. 

Tras una década de retrospectivas, varios libros publicados, homenajes y distinciones por su amplia y distinguida trayectoria, Edward Weston falleció a los 71 años en 1958.